西区故事

评分这么低吗，我一个对罗朱相关作品趋于苛刻的观众都觉得还可以啊，这个完成度和choreography对得起《西区故事》了。

向来对斯皮尔伯格无感，但不得不说真稳啊！

摄影编排和原版的对应度都挺高的。

阳台的对白删了几句，只留了anton名字那里有点不爽，但是我对于太熟悉的作品就会比较龟毛…就罗朱的故事再看100遍还是觉得damn you Shakespeare for breaking my heart！

从gym相遇就开始心碎了…然后必须赞美桑和bernstein两位爷爷的词曲，经典永流传是有原因的。

批评主要集中在男女主的表演，两个主演确实差一点吧，但是唱都没什么问题，Rachel唱功之前已经有所体会了，ansel小惊喜，毕竟Laguardia出来的学生多少还有点才艺在身上的(小声希望小男孩们都洁身自好！

妈妈真的受不了塌房…rita奶奶的角色设置是亮点，somewhere改由她唱是全片最佳改编，信仰崩塌的感觉太虐了…Anita演的出色，不过这个角色形象向来容易出彩，比如当年rita奶奶～Brian的警察是bonus，可惜不是singing part…至此本年度bp单元结束！

说实话，这个电影好的地方是真的好，烂的地方合作真的烂。

由于好坏交错，经常有一种莫名众星捧💩的感觉 我喜欢的地方：绝大多数的选角都很在线， Ariana DeBose， Mike Faist 包括新人Rachel都非常出彩。

如果说普通人的眼睛是窗户，那Ariana眼睛就是钻石了， America那首歌里真的是眼睛里都闪着火彩！

Mike Faist舞蹈唱歌演技每一项都很赞，我最喜欢他去买枪的那场戏。

Rachel作为新人真的很不错，她声音真的好甜啊。

我很喜欢让Rita演Valentine然后唱Somewhere这个改动！

她唱这首的时候真的有一种超脱出宗教意义的慈悲感，在苦难中保持希望，继续前行。

因为我个人不是很懂编舞，我只能感觉到看了以后舞蹈好帅啊。

但是我非常喜欢电影里对灯光的运用， 每个镜头都非常漂亮。

我不喜欢的地方剧情逻辑，好吧，这故事是罗朱改编的要求剧情逻辑是强人所难，电影也确实试图给冲突做更多的逻辑铺垫，但是罗朱故事就是不make sense啊剩下都是对男主吐槽了，可以跳过去了朋友电影前给我打了预防针，说男主唱歌难听，但是男主一开口Maria我真的笑出声了。

从此以后他唱歌电影院里真的是一片欢声笑语，我还以为我自己看了个喜剧。

而且他和女主合唱的几首真的好像是女主在做声乐教学，同样一句真的拉垮太多了。

Tonight唱得像phantom！

女主教一个没感情的小C！

男主唱歌🙄️ 就算不谈技巧，声音里完全也没有故事感和叙述性。

舞蹈灾难演技麻麻，连肢体语言都非常难看，几场高光戏处理的都毫无感情。

他以为女主死了以后的那场戏更是灾难，这到底是为什么 。。

那么晚还不睡，是的，说明我今晚high 爆了[破涕为笑][破涕为笑][破涕为笑]，本着不看评分和“影评”，作品好不好，自己撸片自己说的算的觉悟，今晚撸了《西区故事》。

为啥不先撸1961，要先撸2021，是因为我知道杰罗姆·罗宾斯会更贴近原作，毕竟他百老汇出生，舞蹈本行对于我来说，很容易理解，最好的状态一定要留给最难的（虽然2021评分最低[破涕为笑][破涕为笑][破涕为笑]）--1961：确实最“尊重原作”，更舞台化。

2021：更电影化，空间调度很赞，行云流水，过瘾的很，（电影化的优势）史蒂文·斯皮尔伯格的强项。

这次斯皮尔伯格在尊重原作的基础上，结构，顺序，方法，立场，对原作的解读，都做了“很多”的改动。

（很冒险，毕竟西区太经典，原著党能不能接受是一回事，对于想看到新东西的老观众，要提供什么样的细节，和角度），说实话，斯皮尔伯格做的很好，并且更好，解读更丰富了。

其实，都是西区，同一个故事，但是，说的确实是一个60年故事的“延续”，从前的他们，“教会”了我们？

还是从前的他们，教会了我们！

1.最直观的，从舞蹈语汇上来说，1961和2021表达的意思是不完全一样的，2021融入了更多的舞种元素来表现美国多样化，和更多的现代舞来做内心表达。

2.配乐更丰富了，途中我还在思考斯皮尔伯格把配乐改的那么“复杂”，是因为现在的孩子们接受信息，和感知的能力更快更丰富吗？

3.两个版本对“移民者”和“本地”，“困境”的解读都不太一样，细微之处导致整个影片的内容有很大的“差别”。

4.1961更直白，斯皮尔伯格把这些矛盾放的更大，有些不好说的话，却又更隐蔽了，希望能让人快速捕捉到，“却又不想被人捕捉到”。

5.斗舞部分，我个人最喜欢1961，毕竟斗舞嘛，罗宾斯解读更专业点，斯皮尔伯格在“舞”这块，从开始第二段舞蹈换成“地盘圈舞”到结束，构思和对“舞”的理解和表达，也是没问题的，我个人是接受和明白的（其实，他这个版本更容易懂。

）6.重唱的电影化，节奏把握也是斯皮尔伯格的最好，重唱对于歌剧，音乐剧，歌舞剧来说真的太重要了。

（重唱是每个作品中，我最期待和最重视的段落）7.斯皮尔伯格用心了，60年了，（美国，世界）进步了多少，拥有了多少，这种（更多的）隔膜还在，反而更变本加厉了（相对论？

），哎，用心了。

温馨提示：这片如果真的看太久，不太记得了，我建议两部连着刷，不然斯皮尔伯格有些“弱剧情”处理，真的会解读错误的。

（有时候，剧情弱，可能是我们自己的问题[抠鼻][抠鼻][抠鼻]）。

最后，歌舞剧电影化，不得感叹光影的魅力真的太大了[哇][哇][哇]

《西区故事》触及种族矛盾问题，音乐的处理颇有独到之处，充满美国式的活力，并且迎合了时代潮流与大众所好。

该片的音乐突破了传统歌舞片的风格，灌注入现代年轻人热情狂放的时代特色，与舞蹈场面的结合尤其丝丝入扣；片中的多首插曲如《今夜》、《玛丽亚》等都很优美动听，而《晚上再见》则让人们领略了年轻人活力四射、粗野奔放的情绪。

独占1961年十一项奥斯卡大奖的歌舞片，奔放明快的舞蹈充满活力，富有时代跃动感的色彩和摄影，尖锐探讨底层混混和移民社会问题的主题让影片广获赞誉，成为影史经典。

值得一提的是，迈克尔·杰克逊的《Beat It》（从歌词寓意到MV舞蹈）都是直接从本片偷师，MJ的歌迷绝不会对片中演员打响指和在街头斗殴的场景感到陌生。

这正应了那句话：伟大的艺术不存在抄袭，只有致敬和再创造。

斯皮尔伯格继2018年《头号玩家》之后再次担任导演《西区故事》改编自1957年的百老汇音乐剧，本片亦有不少百老汇歌剧演员加持。

歌舞虽多，但不乱，而且歌曲很好听，两个多小时里一点儿不会厌倦。

本片主角虽是新人，但整体演技尚可，女主角拿到金球奖亦是证明。

剧情层面，无论是黑帮犯罪还是爱情悲剧，都是为了突出一个主题，即“种族问题”。

所以，这也造就了这部电影更加偏文艺的风格。

斯皮尔伯格的导演能力深厚，如此多的歌舞片段，加上要通过顺畅和有感染力的剧情将核心主题展现出来，以及爱情、犯罪、歌舞等多种元素交织在一起，整部片子却很有序，两个多小时也不会让观众厌倦，真的很不错。

没有看过原版，英文勉强过关跑影院看的。

非资深影迷，主观写评。

电影的爱情线好听点说有点过于戏剧性和理想化，看到Maria跟她悲痛欲绝的嫂子唱I love him I love him时整个人懵了，转身就跟朋友说了句这剧情好迷。

除此之外，男女主塑造单薄，尤其男主文艺青年气质太盛完全看不出他曾是个每日除了在痛苦和迷茫中吃喝唱跳就是等死的街头混子，关键这种气质还不是一句i am a different person now能改变的——你能想象Riff对着一个女生一见钟情二见倾心然后在浪漫夜月踏波独舞深情地一遍遍高呼MariaMaria吗？

对他们这种人改过自新需要过程，因为安全感的缺失、与正常生活的脱轨再加上疯癫惯了的恶习，需要一个艰难的自我和解的过程。

在此提名Riff，非常亮眼，每一个动作和表情都富有张力，站在那里就能感觉有情绪宣泄而出。

从他和Bernardo的戏份就能看出，两个帮派间的相互敌视不只因种族对立还有更复杂的揉杂其中，Jets象征旧美利坚青年被原生家庭所缚、深陷于酗酒和暴力的麻痹、绝望，Sharks则代表着新美利坚满怀希望、充满干劲，甘愿跨越重洋努力生活却饱受歧视和不公的新一代移民，影片中两者有所对比：Jets每次出场的背景色都偏黯然阴郁，冷色调的衣服，他们在警局用夸张谐谑的手法自嘲自己是废物的那一段虽然滑稽——但相较于Sharks总衣着鲜艳的暖色，还携眷在阳光普照的街道歌舞，在抱怨着生活苦难嘴臭的同时但仍憧憬未来——却仍是悲剧内核，荒诞的悲剧。

互相羡慕导致互不理解、再导致互相敌视互相折磨的悲剧。

Riff被刀捅时神情一怔，在转瞬即逝的害怕的颤栗中嘴角带笑说的那句：“It’s ok, it’s ok.”，看得我如鲠在喉，说不出的难受。

男女主的爱情线撑不起来，太完美太单纯，撑不起那种矛盾的对立感和两者之间跨越隔阂互相救赎之感，男主Tonny在影片中就是个不谙世事满嘴情歌的罗密欧——这种诗意的角色只能被华丽辞藻的莎士比亚戏剧赋予灵魂，跟背景的西城有很强的割裂感——在陀思妥耶夫斯基的小说里演怦然心动，你不领盒饭谁领盒饭？

这直接导致后期看点不强，主题陷入俗套，结束后盯着黑屏很久直到弹出导演名称灯亮了才察觉到已经观影完毕，第一反应：就这？

第二反应：好拉啊，你强行升华下也行啊。

但整体来说，还是值得一看的。

非专业角度来讲，影片里歌唱得很好听，每段跳舞的片段色彩碰撞、镜头流畅表现力极强，尤其是Tony和Riff边抢枪边唱Crazyboy的那段。

以上。

我觉得在选角方面，演员显然没有旧版惊艳，人物的个性塑造没有旧版的突出，在新版里的主角，尤其是男主，带给人的感觉更像是有双重人格的问题少年，而不像旧版中的那样有人格魅力，而且唱功上也比其他演员略逊一筹。

另外那个鲨鱼帮的跟屁虫假小子女孩在前期的介绍和描述也并不是很多，在后面虽然起到了一定的作用，但是总感觉人物并不是特别饱满。

还有我觉得新版在开头展现帮派斗争的舞蹈上，没有了旧版的诙谐意味，旧版的场景是篮球场，新版似乎是废弃的还是正在重修的房屋，我感觉场景变换上没有旧版的更加明晰，不过从歌舞上来说调动还是不错的。

新版让我感觉创新的点是波多黎各的男女在展现对美国的不同看法时，场景由场内移动到了场外，并随着跳舞的人的移动，看到了当时纽约街头上的形形色色和各种社会现象，配合着他们歌词显得更加真实明确，画面信息量更加多了，展示性和趣味性也变强了。

另外在男主和鲨鱼帮老大抢刀那里镜头调动和画面安排都很棒，跳舞和打架的动作融为一体，非常和谐流畅，观感很畅快。

在看新版时，有关男女主的情感线，我的观感和态度也发生了变化，至少从电影中展现的剧情来说，看旧版的我会觉得这种爱情观是可贵的，我们就应该不顾一切勇敢去爱，但我现在并不倡导这样的爱情观了，我现在认为，在你将要为一个人付出一切的时候，在你确定要把你的真心付出之前，你至少应该先考虑一下你认识的这个人是不是真的就如他所展现给你的这个样子一样，是否真的值得你去付出（并不是要鼓励在感情中考虑其他方面的收益，而是对方是否认可并回应你的真心），显然在电影中，女主并没有确定第一件事，我认为女主还并不了解他的情况下就愿意付出真心是很冒险的一件事，不值得我们去提倡，现实生活中，有多少女生因为男生在一开始接触时的虚假面具就芳心暗许，最后发现真相的时候受伤的只能是她自己。

而且我认为我们也不要过于将爱情碰上神坛，是的，一段美好的爱情确实会让一个人的各个方面都更加添彩，但良好的情感关系的前提是两个心理健全的人，我觉得在现在碰到心理健全充盈的人已经很难了，更不要提其他外部因素，所以现在大多的恋情都只是为了填补内心的空虚和改变无聊的生活罢了，而影视剧又将爱情渲染的如此伟大和神圣，让一些本就难以找到爱情的人更加向往（甚至会让他们急于寻找而降低标准），让处在爱情中本就心理不充盈的人的期望又过高而产生不健康的心理状态，我个人感觉通过这种不合理的剧情来营造爱情的神圣是不太好的，容易误导一部分观众。

一句话，如果还没看过这部电影的，就别看了——不如再去把1961年原版电影找出来看一遍。

是我大意了，真的。

我原以为在LMM已经成为美国主流文化代表人物的今天，是时候可以重新讲述一下波多黎各裔上世纪50年代来纽约定居的“美国故事”了。

但是我忘记了，音乐剧翻拍成主流商业电影并不容易。

当初拍什么像什么的伊斯特伍德，因为拍了电影版的《泽西男孩》差点儿让我觉得晚节不保。

何况是近几年几乎拍一部我失望一部的斯皮尔伯格。

当然了，这个电影表现力不佳，也不完全就都由斯大师背锅。

那么我们今天就借由对本片各主要部门的功过评定，来简单聊两句，在21世纪，该如何翻拍一部musical？

1、歌舞范式与现实主义表现手法的分野歌舞片作为好莱坞成熟的类型片之一，在上个世纪中期曾经非常受欢迎。

那个时候电视还没有在普通家庭得到普及，看电影要专门去电影院，某种程度上，这项活动的隆重程度和看一场舞台演出类似。

那个时候的观众不会纠结于银幕上的角色走着走着路突然在街上来了一大段踢踏舞或者情到浓时脱口就是一段咏叹调，音乐片，虽然在表现手法上会比人们的日常生活夸张许多，艺术嘛，总是要高于生活，而演员们的悦耳歌喉和曼妙舞姿给观众带来了极强的视听享受，大家会欣然买账。

于是，很多歌舞片的叙事“语法”就逐渐被固定了下来，与当时如日中天的音乐舞台剧一道，从有声电影产生初期一路火到了60年代。

观众印象中最经典的歌舞片大多产生于那个时代（R&H什么的，横跨百老汇与好莱坞）。

后来音乐剧和歌舞电影开始分化发展，音乐剧挣扎过一段时间后，随着流行文化的变化，开始有更多曲风，民谣、摇滚、说唱，也开始出现小清新的舞台，更加自然平时的艺术风格，但是不论如何，因为音乐剧始终是高度“舞台化”的，观众在观剧的同时已经默认了舞台上发生的一切“不是真实生活本身”。

但电影就不一样了，大部分电影是不能突破“第四面墙”的艺术，有着无限趋近于真实的场景，天然就有让观众信服的义务。

所以，一部真人歌舞电影，怎样做才能让观众“不出戏”，就变成了重要的命题。

基于我上述论点，相信大家不难理解，为什么动画片做歌舞片就要容易许多。

事实上自90年代以降很多经典的歌舞片都是动画片。

而原创的真人歌舞片越来越少，近年受到主流艺术/商业双认可的就更是凤毛麟角（当然了，歌舞的创作成本较高且涉及跨界，大部分电影导演也不会凭空就选择歌舞作为自己的叙事手段），而且这类影片大多看起来“非常复古”。

近几年最具代表性的也就是2016年的《爱乐之城》了，下一年的《马戏之王》勉强也可以算一部，但是《马戏之王》受到的关注和吹捧基本都没有出圈。

再往前数，恐怕就是2001年的原创电影《红磨坊》了，凭借巴兹卢瑟曼精美的艺术风格和男女主角的完美演绎，获得了口碑与票房双丰收，在多年后反向输出到舞台，有了自己的改编音乐剧。

但是《红磨坊》的成功仍然比不了第二年的《芝加哥》，而后者则是对经典舞台剧的翻拍。

而在华语影坛，凭我个人印象21世纪能达到这样成功的主流歌舞片就只有陈可辛的《如果爱》。

可见这个品类，放在今天，并不好驾驭。

除了上面列举的几部优秀的原创歌舞片，大部分歌舞片都是传奇音乐人物的传记，或者音乐舞台剧的翻拍。

好处在于，当电影创作时，你已经有了一个成熟的、且具有一定票房号召力的IP，有了剧本的蓝本（注意，改编电影时剧本仍要进行再创作，但是毕竟是改编，而且原始素材招人喜欢和惹人讨厌的地方都是经过市场印证了的），还可以在相关跨界领域寻找演员（音乐圈演音乐人、舞台剧演员演舞台剧的电影版，有些还自带名气）。

而挑战则是，原始素材可能已经过分深入人心，而它一开始并不是为了【电影艺术】所创作的。

个人见解，一部音乐舞台剧要翻拍成电影时，挑战最大的主要是三方面：音乐、镜头和舞蹈。

这么说似乎有点多余哈，音乐和舞蹈本来就是musical的灵魂要素，而镜头设计则是电影艺术的灵魂所在，但是，当艺术形式转化时，最先产生矛盾的恰恰就是这些核心部门。

关于音乐，有些musical可能没有那么看重舞蹈，但是所有的musical都一定非常重视音乐。

电影导演允许原曲谱在影片里占怎样的比重？

选择什么样的编曲风格？

更重要的是，和电影的整个声音部门怎么配合？

一部影片往往有比较统一的风格设计，当重要的歌曲唱段响起的时候，我们会进入情绪性段落，听角色唱歌抒情，但是在叙事的主体段落呢？

在歌曲的间隙呢？

在黄金年代，一部歌舞片可能会选择用全配置的交响乐团（full-orchestra）将曲谱满铺整部影片，但是那种审美意趣已经和当今观众的观影习惯脱节了，当我们看到主人公在城市的街道上走路的场景，我们可能会期待更真实自然的环境音，会希望配乐能够低调一点，而不是时刻彰显自己的存在感。

而“幕间戏”的编曲风格又需要和核心唱段保持一致。

很多时候，作为一部21世纪的新作品，导演们会尝试时髦、轻巧的编曲风格，以期让“讲故事的手法年代和电影产生的年代保持统一”。

我举个例子，上面提到的《红磨坊》剧情背景设定是十九世纪末的巴黎，所以该片在art design（服化道美术）上要营造出那个年代的氛围感，但是该片的歌曲却大量使用了流行音乐的元素，不论歌词、曲风、配器、演唱技巧，以让观众get到这是一个讲述于2001年的故事。

我再举个不那么成功的例子，著名音乐剧《歌剧魅影》讲述的也是十九世纪巴黎的故事，但是因为舞台剧是二十世纪八十年代创作的，韦伯把曲谱写得非常古典，编曲却又混杂着大量80年代midi风，该剧至今仍在上演，风格也相对固定了下来。

结果当《歌剧魅影》2004年被改编成电影版的时候，电影导演不太敢动原作的音乐风格，韦伯自己写了首相对风格与时俱进一点的新歌，却融不进原剧，只能放片尾字幕的时候放。

显然，原曲谱越古典，和当下流行风格的gap越大，改编难度也就越大。

2012年汤姆霍珀翻拍《悲惨世界》的时候，因为坚持所有演员现场演唱收音，差点儿扑街，勋伯格粉丝也会痛心于浪费了那么宏大气象的曲谱，但是好在，没了勋伯格光是靠雨果也撑得起这个IP。

那么回到2021版《西区故事》，西区故事的原作之所以成为经典首先得益于伯恩斯坦的大师曲谱，这点显然斯皮尔伯格也没有太创新的解法，只是在一个相对减量版的配乐中加入了大量的空隙，用弱化音乐甚至没有音乐的段落塞了不少“文戏”进去，而这些，让我觉得影片节奏无比冗长，戏剧张力大大减弱。

关于镜头设计和编舞我放在一起说。

简单讲，一个不懂编舞的导演拍不了音乐剧，就如同一个不懂镜头该怎么运动的导演拍不了电影一样。

这个门槛并不低。

漂亮的舞蹈动作并不仅仅是为了“炫技”，而是组成叙事不可或缺的一部分。

而在舞台上，因为观众的“观看”（observation）是相对客观/外在的，可以说，大量的舞蹈动作原本就是为了“固定机位”而设计的。

但是到了电影中，在一个更加灵活、流动的空间内，我们从哪看、怎么看这些舞蹈场景，就构成了全新的叙事，again，因为运动镜头在影片中经常被用于表现内心戏，而我们在看歌舞的时候，特别是宏大的舞蹈场景，一般不想拆穿这个“第四面墙”让观众意识到导演的存在，但是又不能真地放弃“选择”和“引导”，舞蹈场景的机位怎么运动，就成了特别的难题。

有不少musical在翻拍的时候弱化了舞蹈的部分，比如伊斯特伍德拍Jersey Boys, 除了主人公上台演出的段落，感觉就像一般的故事片，which might be fine… 但是当原作舞蹈特别精彩特别重要的时候就不合适了。

当然，同样的舞蹈动作，在舞台上是否合理和在电影场景中出现是否合理是截然不同的，一个代表性反面案例就是2008年的电影版《妈妈咪呀》，舞台剧导演把新郎和伴郎们穿着潜水服的那一段“lay all your love on me”舞蹈动作直接搬到了海岛实景中，让他们一个个地跳入海里去了……即使是喜剧这样的桥段看起来也毫不幽默，而是让人觉得他们都是神经病。

我觉得造成这种失误的原因就是不同艺术形式对“写实”的接纳程度不同。

正面教材当然就是2002年的电影《芝加哥》，虽然是音乐剧的改编版本，所有编排调度却大不相同，既要“再创作”又要保持Bob Fosse原choreography的神韵，是很难的，而因为他们完成度高那年甚至得了奥斯卡最佳影片……所以说，如果2021版《西区故事》有哪里可取，就是卡明斯基的摄影输出还是很稳定的。

看完第一大场戏我其实还蛮惊喜的，因为the Jets song的表现一定程度上会体现出电影“写实”的程度：高度还原的50年代纽约街景、在建的林肯中心、写实的环境音和伯恩斯坦曲谱的融合、人物在较大范围内走动的同时开启标志性舞蹈动作、以及行云流水般的运镜和不断在大小景别间切换来平衡“真实感”与“舞台感”……如果导演和DP完全不懂舞蹈，是很难做出这样的调度与镜头设计的。

可惜，一切美好的幻想在男主出场后就破功了(￣◇￣;) 这样就让我们开启第二部分的讨论—— 2、一部翻拍作品最重要的是什么？

是卡司，是卡司，还是卡司即使从来没看过《西区故事》原作音乐剧和61版电影，也完全不了解剧情梗概的观众，仍然会在影片相对靠前的位置（最迟到舞会那一场戏）就了解到，这是一个背景设定在上世纪中叶纽约街头的莎士比亚的“罗密欧与朱丽叶”的故事。

到了故事的结尾处，主角们可能像莎剧原作中一样，全死去，也可能作了新的编排，但是相信我，观众不是来看剧情的。

结局不是悬念，或者至少不重要。

这跟观众在看作为原创故事的“啦啦蓝”时的心态完全不同。

名著的一部分，就是观众是走进剧场/影院来观看一个他们已经熟知的故事的。

这些角色是观众熟悉的，而且他们带着非常强的前设。

所以每一版翻拍作品，在宣布卡司的一刹那，就已经锁定了影片的最大悬念：这几个演员演绎这些角色怎么样？

是否有说服力？

是否赏心悦目？

很多时候观众心甘情愿掏钱花时间，是为了看明星：like, “OMG Meryl Streep could actually sing!” or, “什么？

狼叔那么瘦弱居然去演冉阿让？

我不同意！

”不管赞美还是吐槽，看了再说，因为卡司引发了我足够的好奇心。

不是明星也可以，我会愿意看性转版的天鹅湖、全少数族裔版的汉密尔顿、或者就是some random young pretty faces. 而作为一部音乐剧翻拍电影的卡司，大家主要会从三个角度去评价演员的演绎：唱功（包括舞蹈技巧）、演技和扮相，就跟歌剧或者戏曲差不多哈哈。

这三点，缺一不可，特别是主角，如果任何一方面缺失都会让观众想要退票。

2021版的《西区故事》给我观感如此之差，选角导演可能得背一半的锅——搁着那么多唱功舞技演技甚至江湖地位均过硬的配角和群演，上哪儿挑了这么离谱俩男女主？

Tony像个木头人一样让人出戏，Maria长得没毛病但是塑造得像个痴女，俩人的爱情戏何止不convincing，完全让人尴尬。

要知道，这种爱情故事，最重要的就是男女主角之间的化学反应，如果没有，整部影片就会变得滑稽。

特别是莎士比亚给罗密欧与朱丽叶安上了那种“一见钟情”的桥段，就更难演绎。

当然本剧男主不仅爱情戏演得不好，跟哥们儿的情感也完全看不出来，已经到了他出现我就想快进的地步。

至于子弹姐的Anita，确实塑造得非常有魅力，但是也不值得单为了她看一遍这部电影，这么说吧，Anita这个角色写得就比较讨巧，历届都是谁演谁得奖，虽然2021版的Anita进行了一些更加现代化的twist，但是我觉得综合表现力并不比61原版电影里的Rita Moreno更好，而Moreno演员本人更是作为制片人之一参演了本片（饰演Valentina），还贡献了一首新歌，但是有点强行加戏了我也不太买账。

剩下的演员基本都是舞台剧演员了，想看他们的精彩演出大可以找点舞台版的视频，包括我非常欣赏的音乐剧演员Brian d'Arcy James，是不是自《傲骨贤妻》《嫌犯追踪》以来就专心在好莱坞跑龙套了啊？

3、精英话语权的削弱与“美国式说教”作为斯皮尔伯格操刀的主流商业电影，2021版《西区故事》不出意外地带有强烈的政|治色彩，而且是过于露骨、过于絮叨的那种“爹味说教”。

种族矛盾和冲突，从上个世纪伴随着有色人种往美国的移民潮和美利坚民族想象共同体在重塑过程中“精英”与“大多数”对话语权的争夺，从未停止过。

时至今日（2020年代），这一问题不仅没有得到解决，反而随着【母语为西语的人群】（美国式political right lol）在人口比例中的不断增加和社会贫富矛盾的加剧，变得越来越尖锐，美国“人民”不是越来越团结，而是越来越撕裂。

影片中已经用非常直白的台词说明了帮派斗争背后的真实推动力，不是种族仇恨，而是经济利益（“It's not about races; it’s about terrirories.” ），并且，把这两群可怜的青少年留在这个人间炼狱互相争斗的是阶级的壁垒（提示：50年代的纽约西区还是底层人混迹的、治安最差的街区，但是林肯中心马上要建起来了，以后就是你们都高攀不起的地段了……）当然，可能故事里的秩序代表者（警官）会把这些孩子们的不幸归结为他们的父母没有努力，酗酒、吸毒、游手好闲，没送他们去受良好的教育，而我们都知道，在那之上还有更沉重的力量扼住这群孩子命运的咽喉。

但是不管怎么说，这样的问题，点到为止就好了，观众明白了就明白，不明白就算了，到底有没有必要喋喋不休以至于破坏叙事的流畅性？

本片的剧本改编是美国著名编剧Tony Kushner，这可是写出过《天使在美国》这样masterpiece的人，而且他的剧本改编能力并不差，至少他是非常witty的。

我不理解为什么本片的说教那么傻愣愣的，不知道Tony Kushner是不是被斯大师的“爹味说教”给洗脑了，愣是在每次戏剧冲突大小高潮来临前后都要插入大量冗长的文戏，就讲道理，不讲感情。

斗殴之夜、Riff和Bernardo死了以后离电影结束居然还有40分钟，虽然基本情节和舞台剧、原版电影是一致的，但总给人“Tony死太慢”的观感……当然了，现在是2020年代了，做一部主流商业电影，你不可能让所有观众都满意。

西区故事 (2021)6.02021 / 美国 / 剧情 爱情 歌舞 犯罪 / 史蒂文·斯皮尔伯格 / 安塞尔·艾尔高特 瑞秋·齐格勒身为一名五音不全在KTV只会唱《悟空》的大叔，对于歌舞片本身就不太感冒，所以，看过的歌舞片屈指可数！

有点记忆的大概是《妈妈咪呀》、八十年代的《霹雳舞》，好像还有一部描写高中生的爱情故事的啥歌舞片，名字忘了。

总而言之，言而总之，对歌舞片不太感兴趣，但是记忆中的歌舞片基本都是热热闹闹、欢欢喜喜以爱情为主线的大团圆套路，当然，不包括阿三的电影啊，人家每部电影都是歌舞片！

但是本片却是另辟蹊径，虽然也是以爱情为主线，但是是个悲剧，虽然也是热热闹闹，却是不欢而散！

看完查了一下资料，原来是大导演斯皮尔伯格翻拍自五十年代的舞台剧，也不知道舞台剧的故事是不是这样，反正大导演的眼光总是比我们常人更独到吧！

简单说一下剧情！

---我是分割线---故事说的是50年代的美国哪个城市的“西区”，应该就是贫民窟，一帮波多黎各人（我也不知道他们是什么人种，电影里感觉不黑不黄的，反正不白）和白人（也是社会最底层的白人）争夺底盘的故事。

说巧不巧，白人里的老大的兄弟和波多黎各老大的妹妹，在一次舞会上一见钟情，两人就开始暗度陈仓。

结果在两帮人一次约架的过程里，波多黎各人的老大捅死了白人的老大，然后白人老大的兄弟，也就是和波多黎各老大妹妹有一腿的这家伙又捅死了波多黎各的老大！

然后这家伙逃亡后先去和波多黎各老大的妹妹睡了一觉，然后又躲了起来。

这个时候，波多黎各里有一个喜欢他老大妹妹的人捡了案发现场的一把手枪，在到处找白人老大的兄弟。

这个时候，老大的妹妹竟然说服了老大的媳妇，让她去通知她的杀夫仇人也就是她小姑子的情人那个白人。

说到这里应该插一句，片中所有波多黎各的对话都没有翻译也没有字幕，我开始是以为我下载的版本或者说字幕版本的问题，后来查了一下，竟然是斯导故意不翻译的，就是让大家听不明白的！

但是后来这一段，虽然没有翻译，我应该是搞明白了！

她小姑子让她去通知小白脸等她，她要和他私奔！

结果，嫂子去了他们白人的地盘，差点被这帮白人小子轮J，于是她改口说，她小姑子已经被那个波多黎各人枪杀了！

导致小白脸万念俱灰，孤身寻找那个有枪的波多黎各人，当然，最终如他所愿，那个波多黎各人找到了小白脸，并且干掉了他！

最终抢手伏法，故事终！

--所以说，故事情节里有诸多的不合理，据说本片翻拍的舞台剧，比较忠于原著，也许是老外的三观和我们国人差异太大吧！

但是有一点，片中的波多黎各的女人和白人，虽然都是社会最底层，一帮情节女工，一个小混混，人家还有觉得美国好美国秒美国呱呱叫！

这大概是老美的文化自信吧！

我相信，我们大国崛起，自信心也是越来越强，待我们完成了中国梦，相信我们的中国特色社会主义道路自信、理论自信、制度自信、文化自信 也会深植与我们内心的吧！

说说表演的话，反正都不认识！

单说演技，乃至于颜值都不尽人意！

但是，作为歌舞片，那个载歌载舞确实很潇洒帅气，比阿三的一言不合就跳舞有过之而无不及！

推荐指数⭐️⭐️⭐️

今天聊聊美国电影《西区故事》。

片名West Side Story (2021)，别名西城故事(港/台)。

《西区故事》改编自1957年的同名百老汇音乐剧。

讲述白人移民“喷气机帮”（Jet）和波多黎各裔“鲨鱼帮”（Sharks）在纽约街头争斗抢地盘，属于“喷气机帮”的托尼（Tony）和属于“鲨鱼帮”的玛丽亚（Maria ）产生情愫，上演了一出类似罗密欧与朱丽叶的悲剧爱情故事。

1996年时，迪士尼公司曾经尝试改编翻拍电影版的《西区故事》（West Side Story ，1961），并计划由贝纳尔多·贝托鲁奇（Bernardo Bertolucci）执导，但该计划最终未能实现。

后来史蒂文·斯皮尔伯格（Steven Spielberg）成了本片导演。

《西区故事》也是他首次执导音乐剧。

他之前在20世纪80年代初计划开发一部名为《一卷接一卷》（Reel to Reel）的半自传体音乐电影，但该项目最终被放弃。

斯皮尔伯格表示：“我一直在挑战什么才是适合我的音乐。

我永远不会忘记我的童年。

当我第一次听西区故事专辑时，我才10岁，它从未消失。

我已经能够实现那个梦想，履行我对自己的承诺：你必须制作西区故事。

”于是他决定接手拍摄一部改编自1957年百老汇音乐剧。

斯皮尔伯格看中的影片主题是志同道合的人之间的分歧。

这种分歧伴随人类历史由来已久。

在1957年时，这种分歧发生在鲨鱼帮、喷气机帮之间和内部，60多年后，这种分歧依旧存在，甚至更加分裂。

只要和种族、信仰、地域等等各种东西沾上点边，都会闹得不可开交。

《西区故事》原计划2020年12月18日上映，因为疫情缘故，一直推迟到2021年12月10日才上映。

影片上映后叫好不叫座，深受学院派的欢迎，在今年奥斯卡获得七项提名，包括最佳影片和最佳导演奖，成为自《叛舰喋血记》（Mutiny on the Bounty ，1962）以来，第一部获得奥斯卡最佳影片提名的翻拍电影，也是《西区故事》（1961）之后，该音乐剧第二次获得奥斯卡最佳影片提名。

老版《西区故事》仍是历史上最受赞誉的电影音乐剧之一，在1962年第34届奥斯卡颁奖典礼上获得了10项奥斯卡奖-包括丽塔·莫雷诺(Rita Moreno)饰演的安妮塔(Anita)的黄金雕像。

本片在北美地区获得票房3811万美元，全球票房7252万美元，这部备受赞誉的电影成本达到1亿美元，票房上可以说是个灾难。

影片中歌曲顺序遵循了舞台音乐剧最初的歌曲顺序，只有两个例外。

《Gee, Officer Krupke》被移到了更早的位置，《Cool》由托尼唱给里夫听，而不是里夫唱给喷气机帮听。

编剧托尼·库什纳（Tony Kushner）表示，这部电影将更符合阿瑟·劳伦斯（Arthur Laurents）的原著，而不是1961年的电影改编本。

史蒂文·斯皮尔伯格执导时，坚持要求所有拉丁裔角色都由真正的拉丁裔演员扮演。

为了避免原版电影中的棕色面孔问题，史蒂文·斯皮尔伯格特别邀请拉丁裔演员参加鲨鱼帮试镜。

他在多个种族中挑选了拉美裔演员，比如瑞秋·泽格勒（Rachel Zegler）哥伦比亚人，阿丽亚娜·德博斯（Ariana DeBose）非裔拉丁裔。

阿丽安娜甚至担心自己太黑了，不适合演角色，但斯皮尔伯格坚称她是完美的。

这部电影也是史蒂文·斯皮尔伯格献给他老爹阿诺德·斯皮尔伯格的。

阿诺德·斯皮尔伯格是一名电气工程师和二战退伍军人，2020年自然死亡，享年103岁。

本片也是瑞秋·泽格勒的故事片处女秀。

她能得到这个角色是因为她在YouTube上的演唱给斯皮尔伯格留下了深刻印象。

她16岁时，曾经在舞台上扮演玛丽亚，皮尔伯格认为这是他见过的最棒的玛丽亚。

瑞秋·泽格勒原本没有出演任何电影角色的经验，但获得《西区故事》女主角的消息传出后，让她进一步获得了《雷霆沙赞！

众神之怒》（Shazam! Fury of the Gods ，2023）和《白雪公主和七个小矮人》（Snow White and the Seven Dwarfs ，2022）中的重要角色。

说实话，我无法get到这样一位白雪公主的美……

出演飞机帮头目里夫（Riff）的是迈克·费斯特（Mike Faist）。

迈克·费斯特最初是为托尼试镜，后来他被要求为读里夫的台词，最终获得了里夫角色。

同样的事情也发生在1961年的电影中。

迈克·费斯特一开始身材苗条，但他获得里夫这个角色后，开始研究上世纪50年代帮派成员的样子，于是减掉了20磅，变得更加纤瘦甚至营养不良。

后来斯皮尔伯格不得不介入，让他停止减肥，以免危及健康。

大家对罗密欧与朱丽叶式的悲情故事都不陌生，在总体情节不改变的情况下，如何拍好就看演员的演绎了。

越是没有谈过恋爱的人，才越会觉得爱情比生命还重要。

所以演员要表现出天真烂漫年轻无邪的感觉，只有理性程度低到极低水平，观众才会觉得这种为爱出走的故事有可行性。

一旦主人公有一丁点儿成熟稳重油腻的感觉，那就会毁了整体效果。

所以斯皮尔伯格选择了没有演艺经历的瑞秋·泽格勒做女主角，陌生感反而成了她的优势，而安塞尔·艾尔高特做男主角则不像个痴情种，有时会有一点儿油腻感。

影片对原有故事进行了拓展，解释了两个帮派约架起因，白人移民的动机是工作机会被抢走以及排外心理，波多黎各裔则充满局外人的紧张感和不安感。

他们的眼界也只能看到自己眼前的一亩三分地，于是为了现有利益产生冲突。

加上当年警察腐败，工作机会减少，移民地位不稳定，多重矛盾聚到一次，促成冲突。

60多年后，这些问题依旧没有解决，底层边缘人士依旧为了生存费尽心思。

影片中安妮塔（Anita）差点被强暴、LGBT群体遭受排挤，这些依旧是穷苦人士需要面对的灾难。

丰富文戏重现歌舞，把经典翻拍成经典。

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