咖啡公社

Soon ‘The Tropic’was known as the place to always find the driest Martinis and the prettiest women in Manhattan.Beautiful girls attracted celebrities and sports figures.Socialites mingled with politicians.And with the smart set came the Press and an ever growing reputation.And Bobby moved more and more gracefully amongst the rich and Famous.He learned the ins and outs of ‘The Cafe Society’ which included any number of prominent figures from New York's glamorous underworld. There were the Rhinebeck,came home every night, to ordler the finest wines in the world.They seemed like an ideal couple.Except that he was sleeping with his wife's sister.And there was no shortage of Royalty from all over Europe.Like, Count Henrick Van Goren who played backgammon for millions.And his wife, Countess Van Goren,who is actually Chickie Sherman from,Passaic, New Jersey.And that ring on Suzy Bancroft's finger was a mere 41 carats.And of course with the elite came the tabloid scandals,like Tom Price, the Wall Street genius,who married the much taller automobile heiress Linda Ray Harmon,He ran through a fortune on race horses and show girls,until one day, out hunting,she mistook him for a deer. And Bobby met them all and shook their hands and joked with them,and heard their sad and happy stories,over $1000 Magnurns Piper-Heidsieck.And learned about life and how in the end,Rodgers & Hart had it right. 很快“热带回归线”就闻名遐迩，成为曼哈顿酒类最高级且美女云集的热闹场所，正妹吸引名人和运动明星，社会名流与政客打交道，与时髦人士一起到来的还有媒体，这间夜店的名气愈来愈大，Bobby在富人和名人间跟穿梭自如，学会上流社会的里里外外，包括纽约迷人黑社会的所有老大。

有rhinebeck夫妇，几乎每晚报道，点最高级的酒，他们看似神仙眷侣，除了他跟他老婆的妹妹睡。

也少不了全欧洲的皇室，像是Henrick van Goren伯爵，他挥霍几百万玩棋，他的妻子伯爵夫人，其实是来自新泽西小镇的村姑，她手上的戒指有41克拉。

当然伴随着精英而来的是小报丑闻，像是Tom Price，华尔街的天才，娶了比他高半头的汽车业女继承人Linda Ray Harmon，他花光她的钱在赌马和车模，直到有一天去打猎时，她把他误认为鹿。

Bobby认识所有人，跟他们握手、谈笑风生，听他们边讲着悲欢故事，边狂饮高级香槟，并学会了生活以及罗杰斯和哈特最终是如何修成正果的。

很喜欢这段，知识分子伍迪艾伦风格，但是看的是机翻，最后一句实在别扭，求指正嘻嘻。

“我害怕黑暗，也怀疑光明。

”出生于美国纽约的导演伍迪·艾伦，其创作风格独具一格，范畴横跨戏剧、电影和脱线性戏剧。

作为一位高产同时作品数量繁多的艺术家，他同时是美国电影导演、戏剧与电影创作家、电影演员和爵士乐单簧管演奏家，在长达六十余年的创作生涯中，伍迪艾伦也为观众带来了四十余部美妙愉悦的作品，其中也不乏精彩绝伦之作。

尽管有着跨界颇多的艺术成就,但伍迪艾伦在作品中所聚焦的问题却相当统一：即当代人所面临的精神危机，尤其是贯穿其中的精神不稳定性，以及时时在银幕中浮现的对于身份认同的焦虑。

等等，爵士乐单簧管演奏家？

你们所爱的伍迪·艾伦，其实更是一位“爵佬”？

2016年第六十九届戛纳国际电影节，81岁的伍迪·艾伦将他导演生涯的第四十六部电影《咖啡公社》带到世人面前。

他也借这句台词，再一次表达了他的一生所爱。

文字：王晨宇排版：范可可责编：朱学振策划：抛开书本编辑部 一、“有谁不爱爵士乐？

"——《咖啡公社》（2016）

在伍迪·艾伦的创作生涯中，“爵士乐”无疑是他的一大创作风格，这个起源于19世纪末20世纪初美国南部港口城市新奥尔良的音乐极少缺席他的电影，他对这种音乐近乎痴迷，除了日常的拍电影、写剧本外，他还是个专业的爵士乐手。

二十世纪七十年代初，一支名叫“新奥尔良葬礼和拉格泰姆爵士交响乐团”的乐队创立并登陆纽约，时年四十岁的他吹起了单簧管，在电影内外都玩着他最钟意的星奥尔良爵士乐。

并一直在“Michael's Pub固定演出，直到酒吧关门歇业。

而后，乐队又在曼哈顿76街的Cafe Carlyle固定演出。

这支名字颇具伍迪艾伦风格的爵士乐队也就“玩爵士”这件事玩了二十年，直至今天。

“这是在纽约最超现实的体验。

”有人这样评价伍迪·艾伦对爵士演出的长情。

1984年，纽约时报的记者刊载了一篇文章。

记者写道：“这大概是纽约最长久的爵士乐队。

”是的，报道无关这位导演的电影与创作生涯，而是关于他的爵士乐。

伍迪艾伦对于爵士乐队热爱由此可见一斑。

甚至在1978年《安妮·霍尔》奥斯卡折桂时，他都没去领奖，而是雷打不动的去做爵士乐的演出。

九十年代，伍迪·艾伦露面的次数不多。

1996年，《人人都说我爱你》上映，这是一部用音乐剧手法创作的电影，以半歌舞片的形式描绘了爱情中的神秘与变幻莫测。

这部电影不仅体现了伍迪·艾伦作为导演的深厚功力与创作才华，也让世人再次看到他对电影中音乐掌控部分的稳健与天才。

同年，他又拉着老伙计艾迪·戴维斯等人创立了一个更加传统的爵士乐队，极少露面的同时，却又带着乐队跑各种爵士音乐节，录制专辑，举办巡演。

后来这位电影导演的爵士乐团欧洲巡演经历被纪录片导演芭芭拉·卡颇拍成电影，取名《狂人蓝调》（Wild Man Blue）。

有人这样评价伍迪·艾伦对爵士演出的长情：“这是在纽约最超现实的体验。

”大部分人的惯性是从电影来分析配乐的选择，但在这位导演的作品里，反其道而行之往往会有更精彩的发现。

伍迪·艾伦是那种为了让电影匹配自己挑选的爵士乐，可以反复剪辑甚至不惜重新拍摄某段剧情的导演。

几十年如一日支持他的影迷也把爵士乐当成他电影中的一个锚点，在电影之外也汲取着这位导演对音乐的独特品味，并乐此不疲。

二、“这座城市的每一个时刻”——《曼哈顿》（1979）“这座城市的每一个时刻，都反映在黑白色的色调里和乔治·格什温的爵士旋律中”在伍迪艾伦的配乐中，我们可以非常轻松地窥见其对与爵士乐的偏好和口味。

1979年上映的《曼哈顿》，他就已经选择了爵士交响乐风格（Orchestral Jazz），来自乔治·格什（George·Gershwin）的《蓝狂》（Rhapsody in blue）作为电影配乐，故事里伍迪艾伦式风趣幽默与尖酸刻薄的背后，是格什温将德彪西与拉赫马尼诺夫风格与美国爵士乐的巧妙结合所产生的配乐。

伍迪在剧本与镜头中呈现的主人翁们，是知识分子、教师群体、精英们与哲学家，也是中产阶级的代表们。

他会如何用他的镜头来描摹他从小长大的城市呢，是冷漠、嘈杂、还是浮躁？

最终他选择了浪漫，爵士乐里那种私密的、委婉的、即兴的浪漫。

这些在曼哈顿的城市天际线与城市建筑广角图之下的人群们，都被他的镜头框入画中，再配上爵士交响乐风格的配乐，这很伍迪艾伦，同样，也很爵士。

三、 “这起死亡并不单纯”——《曼哈顿谋杀疑案》（1993）同样是纽约的街头，也同样是知识分子、教师群体、精英们与哲学家，也是中产阶级的代表们，1993年的犯罪喜剧电影《曼哈顿谋杀疑案》却带给我们一种延续的感觉，熟悉的伍迪艾伦镜头里的纽约地标性城市建筑。

他在这部自述“票房平平但自己很中意的片子”里选取了酷爵士风格（Cool Jazz），来自戴夫·布鲁贝克（Dave·Brubeck）的《Take Five》。

布鲁贝克的爵士乐风格和这一创作时期的伍迪艾伦颇有契合之处：风格从精致到夸张。

纵观伍迪·艾伦几十年的电影创作生涯和爵士乐生涯中，正如他所说：“现在的音乐和弦日趋繁复，可听性却比不上过去”，从1999年上映的《甜蜜与卑微》中吉普赛爵士（Jazz Manouche）到2011年的《午夜巴黎》里摇摆爵士（Swing Jazz）与波萨诺（BossaNova）、爵士布鲁斯（Jazz—Blues），以及这部电影里长达四分钟的镜头里响起的单簧管爵士乐。

再到2013年上映的《蓝色茉莉》里的软爵士（Smoooth Jazz），我们能看到他所喜爱的那些走过他一生的、经过时间考验的悦耳、纯正、经典的老原声爵士。

四、“想象另一个时代才是黄金时代”——《午夜巴黎》（2011）电影之外，争议、丑闻其实从来都不曾在这位导演身上远去，他也被一些人打上“罪不可赦的炼铜者”。

确实，伍迪·艾伦是复杂的，他和他的电影被人打上各种标签。

但至少在爵士乐里，他有着最简单的热爱与浪漫，也有着伍迪·艾伦身上纯粹、简洁、童趣的一面。

他倾听着、热爱着、改编着、运用着、演奏着这些精彩的爵士乐们，即使音乐评论届说“来看他演出的人只是因为伍迪艾伦这个名字。

”，但我相信，无论是否为伍迪·艾伦的影迷，看过这位导演作品的观众们都对爵士乐有了一种别样的感觉。

即使他产出电影的速度越来越慢，也逐渐跟不上时代前进的步伐。

但在电影之外的人们不妨用爵士乐为切口，去看清他的电影，也看清他创作的一生。

相较于电影，伍迪·艾伦的爵士乐演奏其实很纯粹与简单，在纪录片《狂人蓝调》里的他，就如同他最怀念的，一个世纪前的爵士黄金时代那样：人群包围的环境里，闪烁着微黄色的暖光，他端着单簧管，吹奏着那些来自他电影中伟大爵士乐手们的音乐。

从二十世纪到二十一世纪，那些洋溢着的、浓郁且迷人的律动、摇摆、即兴。

是的，你们所爱的这位导演，也同样是一位单簧管演奏家，就站在舞台中心。

参考文献：《如何听爵士》《我的纽约，二十位名人眼中的奇迹之城》《毫无意义》

对伍迪艾伦来说，说个舅舅跟外甥同时爱上一个女人的故事，一点都不令人吃惊；毕竟他现在的妻子，就是他的养女，他从来没在care乱伦这件小事。

你可以不喜欢这个故事，但是对于一个电影热爱分子来说，对话才是伍迪老儿的精髓所在好吗！

你想，一个专注话唠的导演，在对话和对话调度上没两把刷子，怎么行走江湖几十年？

我知道有些同学一看到对话，就想到正反打。

如果你对对话的了解，仅仅停在正反打上，那么你还只能算是影迷中的新手，下面看老司机给你叨叨，伍迪老儿是怎么拍对话的。

首先，正反打，不是你想用，想用就能用。

正反打有正反打的缺陷，使用过度会让人觉得刻板无趣。

你可以想象一下，如果一部全程话唠的电影，两张大脸一直交替，是多么滴可怕。

所以伍迪老儿只有在演员的情绪充沛，内心戏很足的时候，才用正反打。

这个时候，观众会将注意力集中到角色的面部表情上，被演员的情绪带着走，正反打在表情达意上简洁与高效的优势才会显现。

▲这是男主对女主表白时，心情那个激动。。。

其次，双人镜头用好了也出彩。

双人镜头，一般都用来交代角色的空间位置，很少会长时间表现。

一方面双人镜头构图太正，没有灵动感，另一方面又很考验演员的表演，因为这样就必须真的在对话，说话的和倾听的，都要有反应有表情。

跟正反打一样，伍迪老儿也是挑角色内心戏很足的时候采用双人镜头。

但在这里，他想让观众同时看到，对话双方的情感错位造成的内心震荡，以及这种震荡在脸上的表现。

所以说，他的双人镜头用得恰到好处，观众不仅不会觉得构图呆板，还会主动去找自己的兴趣点。

▲这是菲尔（男主的舅舅）抛弃女主时的对话，在一个画框里我们既可以看到男主的痛苦，也可以看到女主的绝望，毕竟前一场戏女主推掉了男主的邀约，换上真丝的内衣。。。

▲舅舅跟侄子外甥吐露心声，讲述舍不得离开原配的痛苦，男主事不关己的表情，还不知道他舅舅的相好的，竟然是。。。

▲妻子宣布怀孕，妻子紧张与男主的激动。。。

第三，同时调度演员与摄影机，一个长镜头拍摄多人对话。

伍迪老儿最厉害的地方就在于此，比如男主妻子出场这一段。

▲先是前景两个男的聊。

短发女子从左往人右横穿，景深处有一个白衣女子。

▲接着男主跟后面的短发女人聊。

▲短发女人走出画外，男主继续跟男配扯淡。

▲男主去倒酒，摄影机跟着男主移动到左边，带出短发女。

男主还跟画外的男配继续聊着。

▲两个女人分别从不同方向走到了画面中央，男主跟他们说话。

这种对话方式，看起来很随便，镜头跟着男主走，顺便照顾到其他演员。

他们一边瞎逼逼，一边建构起前后左右，画内画外的空间感，带给观众观影的真实感，一切都好像那么自然而然的发生，感觉拍电影很容易有没有？

我个人特别喜欢的一段，是男主的姐姐和姐夫因为杀了邻居在家理论的这一段对话。

▲姐姐先从楼梯上下来，提示大家这是个真实的立体空间。

▲然后带出姐夫，闲聊到邻居。

▲大家看，聊天的过程中，我们跟着姐夫的视线，一起建构出了姐姐的家。

▲当姐夫知道他大舅子（黑社会）参与到他们家邻里矛盾之后，两人之间的张力出来了，于是出现了双人镜头。

之前说到，只有戏够足的时候，才会出现双人镜头，不然很呆。

▲然后推近，让我们可以同时看到他们的面部表情，感受他们的矛盾。

▲杀人毕竟是犯法的，女人自知不对还是讲了一通看起来很有道理的道理之后，逃进厨房。

摄影机沿着墙，追到厨房。

▲然后我们在听到姐夫的声音之后，姐夫也追到了厨房，出现在画面之中，又一次构成了双人镜头，两人互相指责，矛盾中。

正反打是将人物从背景环境中抽离出来，这段长镜头对话调度，却反向而为，把对话双方还原到环境之中来。

所以，在这个对话调度中，我们首先看到的是一个真实的空间，随着对话双方矛盾的升级，镜头与角色越贴越近，镜头跟着角色的静止、运动而静止、运动。

于是，镜头的远、近、动、静变化，形成一种令人舒服的节奏，把对话推向高潮。

总之，伍迪艾伦的镜头感是无与伦比的，他镜头中的对话，不仅仅只有对话，在讲述故事，建立人际关系之余，总能带给观众特别的感受，比如情绪的铺陈，空间的表现等等，真的值得我们爱好电影的同学好好钻研。

所以，每当我看到国产电影中动不动两个大头交叉出现在银幕上的时候，就替导演着急，明明是拍电视剧的好材料，何必要去拍电影呢？

再会。

能够看完全文，可以加微信公众号了：电影拉片室。

1. 年年追看Woody Allen，6月SIFF的一票难求着实遗憾，近日的家中投影方觉得正正好好。

2. Woody套路中少有的极致简单，青涩男主理所当然纯爱梦碎，时过境迁与女主重逢，彼此发现后来的自己成了曾经鄙夷之人。

LA Veronica是Bobbi的朱砂痣和白月光，Bobbi是（海报上）LA Veronica心中的那滴眼泪。

3. 海报上那句Anyone who is anyone... will be seen at Café Society 略拗口，正是点题句。

4. 也许是忙于短剧，本片中的讽刺和戏剧化元素少多了。

5. Woody Allen的年代剧很少会结合时代背景，更多通过衣着、布景，以及生活方式来表达（如Radio Days），对比同样是30年代，Baz Luhrmann的盖茨比仿佛住在另一个纽约。

除了穿越剧，Woody的大多数故事可以发生在任何一个年代。

6. 去年此时有幸在Café Carlyle看过Woody的现场，人生无憾，现场坐满了他电影中常见的中产阶级。

离场时Woody的蹒跚步履仍然记忆犹新，好在他父母平均寿命是99岁。

7. 近日Eric Lax 的对话Woody Allen简体版出版，早前拜读过繁体版，除却翻译糟糕，对话的双方实在不在一个层面上，看似38年的跨度实际上只集中在几个时间点上，谈不上是研读书籍，更多是一本transcript。

哪 有 什 么 困 难 可 言 喜 歡 能 够 战 胜 一 切1930年代的好莱坞、曼哈顿，男人们穿着花生酱颜色的西装，女人们卷起长发，金发碧眼，画面美得跟油画一样。

大概我们喜欢Woody Allen也因为如此，喜欢他的小资与文艺。

《咖啡公社》正是这样的电影。

故事简单，不落俗套。

年轻的男主满腔梦想又对未来迷茫，去好莱坞投奔了电影经纪人大亨舅舅，一发不可收拾的爱上了舅舅的情人，年轻女秘书Vonnie。

他向Vonnie求婚，想带她回到纽约在格林威治村开一间小酒馆时，却意外得知Vonnie其实是舅舅的情妇，舅舅为了娶她，抛弃了发妻。

最终Vonnie选择了舅舅，心碎的男主独自回到了纽约。

男主在一番历练后返乡经营夜店，事业成功。

男主后来爱上了另一位Vonnie，也许是Woody Allen的有意之举，男主娶了离过婚风情万种的Vonnie，V怀孕，生子。

多年后，男主与年轻的Vonnie重逢，年轻时爱的那个女人依然那么美……

得不到的永远在骚动。

可是啊，疲惫的生活里，总需要一个温柔的梦想。

风情万种的妻子给了他温柔的拥抱，生活过得波澜不惊。

还记得王家卫说过，能忘的都忘了吧，能记得都不必记得，有些话太久没说，也就懂了。

你用仪式向自己献祭，活在最普通的岁月里，有一天倒映在奈何桥底，孟婆汤里。

爱情里不仅有碧桃花下、新月如钩的浪漫，更融合两人心有灵犀的默契与坚守，要多难？

所以男主灰溜溜的滚回纽约，似乎也是情理之中。

年轻时你爱诗爱远方，后来你只是爱上了眼前的一切。

这里面更多是针对于导演伍迪艾伦的介绍，也还蛮不错的 爱情戏里常见的剧本，可是Woody Allen胜在故事讲得好，他不会让你安于现状醉生梦死，意外地男主和年轻时爱的那个女人又重新相逢、爱上、纠缠……这是一个关于成长关于爱情的故事，初到大城市，你衣着土气，反应迟钝。

后来，当所有人变成了原先讨厌的样子，你当然也不例外，练就了一身见人说人话见鬼说鬼话的本领。

你爱的那个年轻的Vonnie依然美貌却已然不是当年的模样。

爱情就像城市一样，一旦做出了选择，就失去了另一种可能。

可是当你再来到当年的城市，你依然爱的如痴如醉，纵使她已变的灯红酒绿。

当年你爱她的不落风尘，如今你爱她的优雅端庄。

我还是很喜欢你，像风走了八千里，不问归期。

余生恨晚，难得再相见，不妨喝一杯……敛去唇枪舌剑的锋芒，连出轨都拍的越来越风轻云淡，没有私奔没有撕扯，更没有因婚外恋抛家舍业。

大概我们每个人都想从这个可爱的老头儿的电影里探究，究竟怎样的杀人、欺骗、背叛，能够值得原谅？

抑或是他早已忘记了去探索原谅，淡化了冲突，故事里有他执意的爵士时代、酒、犹太人和昏黄灯光里跳舞的女人……人有聚散，缘有始末。

二十几岁的年纪，我们应该相信爱情，也应该坦然接受爱情会死去。

起码，我们都记得，爱情从前的样子，记得那些日子里，你认真爱过我的样子

始终如一风格的伍迪艾伦，关于爱，那种看似热烈遗失的爱，如同王菲的歌是不是不管爱上什么人都要天长地久求一个安稳，也像莫文蔚的开始总是分分钟都妙不可言，谁都以为爱情它永不会减，而对于消逝，除了一句祝你百年好合，任何的纠缠都显得不体面。

正如菲利普舅舅说离婚，我老婆风趣幽默忠诚床上功夫也不错，但是我遇见了一个人，他太美好了。

与其热烈的情感相比较更喜欢如岛女主一样坚定的陪伴更让人安心，你知道不管如何他永远都在的坚定感。

伍迪艾伦的轻浮感摇摆感，总是让人很不舒服。

当然要follow your heart,as you know heart can cheat also.no things is reliable.chang is always the subject,embrace chang no matter you like or do not like,except accept,no ways.死有轻如鸿毛亦有重如泰山，没有哪一种更好，just yes,it is over,move on.untill the death.

当看到片尾男女主角在衣香鬟影的宴会上满目怅惘地思念彼此时，我脑海中第一想到的就是晏殊的这首词。

酒筵歌席莫辞频，但他们真正想念的是远方的彼此，然而，却又依然陪在“眼前人”的身边。

选择在周末走进加州小城的影院观看这部电影，不得不承认海报起了很大的作用。

再一看卡司，也十分好奇KS和布莱克这两个在我看来有些青春片的女主和文艺的伍迪艾伦能碰撞出什么样的火花。

当然，我也确实没有失望。

故事的主线应当是纽约青年奋斗记以及四角的恋情。

虽然这些剧情都有些狗血俗套，不过伍迪艾伦确实证明了，好的导演可以化腐朽为神奇。

在3030年代好莱坞的慵懒与优雅中，在犹太家庭小短剧的轻松笑声中，观众们可以放松的，忘记道德批判的，不为人物命运揪心的，欣赏几位主角的互动。

KS出场时的蝴蝶结，讲真，一点都不适合她。

虽然感觉她确实缺乏一种上世纪好莱坞的气质，但是不得不承认，她有一种独特的、可以称之为自由精神的魅力，即使是身着最繁琐的华服也掩盖不了。

结尾她慵懒的dreamy eyes真的很戳人心。

片中的她选择舅舅而非侄子，在我看来一是因为舅舅的功成名就之于侄子的一文不名；二是因为舅舅与她有更长的感情基础，相对来说比未知的纽约更好驾驭；三来，可能如同男主一样，女主本身也更爱洛杉矶的生活吧。

真正让我大跌眼镜的其实是舅舅的演员。

之前看卡司没有注意到，但观影时尚未见面甫闻其声，我就发现这原来是美剧《办公室》（THE OFFICE）里那个有点神经质、总是找不着女朋友的超级奇葩的办公室经理。

不得不说这两个角色反差实在有点大以至于我一直出戏。

Steven自带的喜剧气质（长相、声音）让这个角色不是很有说服力，至少不太符合“成熟多金男士”的标准设定。

男主角确实演出了从拘束的毛头小子到从容的夜店经理的变化，面对两位女主的化学反应也有细微的不同：面对KS时拘束又莽撞的讨好，面对Blake时自信又强势的捕猎。

其实很逗的一段是男主刚到LA时招妓的那一幕，两人唠唠叨叨的争吵，男主甚至还得安慰自尊心受到了打击的应召女郎，实在是很有意味。

男主角一家的戏份也让电影平添了许多欢乐，妈妈对爸爸缺乏“犹太标配智慧”的嘲讽，姨夫对人理性的乐观，哥哥杀人抛尸时每每想起的轻松音乐，都让观影更具乐趣。

这是我第一次看伍迪艾伦的电影，除了上述之外有一点最深刻的感受，不知道其他人有没有同感：伍迪艾伦在电影中似乎刻意制造了一种距离感和不真实感，就是说，相比于让观影者靠近人物这样通常的做法，伍迪艾伦似乎是希望观众距离电影人物远一点，不要把自己的感情投放于人物。

比如，男主到旧金山水土不服没人理的困窘，不但没有让观众感觉凄楚，反而马上被他招妓的搞笑故事逗乐了；男主哥哥被判死刑这样沉重的事，观众本提起的情绪下一秒却被男主妈妈“信基督还不如杀人”这样搞笑的话冲散了。

这些都会让观众感受不到本来人物当时的情绪。

还有，这部电影的时间线也让我感到不真实，按理来说男主回纽约开咖啡厅和遇到新女友奉子成婚应该需要一段不短的时间，但电影里好像过渡极快，让人颇觉恍惚。

事实上，我至今也不完全确定这种距离感究竟来自何处、意图如何，但这确实造就了一种不一样的观影趣味。

在这部电影中，我似乎完全感受不到导演对于人物和人物感情发展的价值判断和情感倾向，也感受不到导演对于人物命运的担心。

似乎导演只是在隔着雪茄的烟雾，玩味的观看着这一幕幕人间的悲喜剧，将这些人物的悲欢离合只当做自己手中的木偶戏。

这给观众造成了同样的感受，使得我脱离了为人物担心、与人物共情的情绪，舒缓了情绪慢慢看事情会怎么发展，看完之后也完全不会对人物产生什么喜爱或者厌恶的情绪。

这是一种新奇的体验，让我有点想起GOOD FELLA里不断响起的画外音造成的距离感，但又有不同。

颇为有趣的导演。

影片的最后一个镜头，Kristen Stewart的眼中映出前男友的脸庞时，正是纽约与洛杉矶两场新年舞会的高潮。

导演在此时狠心地把故事掐掉，灯光熄灭，片尾曲出现，影片戛然而止。

既没有婚外恋抛家舍业的狗血，也没有抓奸小三的紧张。

像是Woody Allen在叹息：让过去的随风而逝吧，我们都长大了，已不是过去你爱上的那个人。

爱情就像城市一样，一旦做出了选择，就失去了另一种可能。

很多人说Woody Allen不再像之前的风格了，我倒是觉得，这部电影还是保留了他一贯的元素。

城市、犹太人，完美的特写，干净的情节，都非常Woody Allen。

至于讽刺，应该都放在Bobbi的哥哥Ben和他的父母关于宗教的讨论那里了，他妈妈说的那句“之前他就是谋杀了人，现在他要变成基督徒了！

”简直是影片笑点之最，不属于其他的Woody Allen式电影。

但关于Bobbi和两个Veronica之间的爱情，导演确实带上了含情脉脉的面纱，用注视后辈的眼光注视着Bobbi的puppy love和成长，就连他一贯讽刺的上层社会—Bobbi的叔叔Philip，竟然也有了真挚的爱情，这让我倒是吃了一惊。

其实我挺喜欢Woody Allen这种难得一见的温情的，虽然没有深刻的主题，起码是部好看的电影。

周六的早晨，洛杉矶Westwood里面的Landmark影院里人很少，几乎全都是住着拐杖或者助力车的老年人，bird和我笑称我们起码把观影人群的平均年龄拉低了十岁。

Landmark是美国专门放小众电影的院线，与主流院线放的暑期爆米花大片相比，这里放的都是戛纳或其他一些电影节的的参赛作品，肯定不会有Finding Dory这样拖家带口的庞大观众群，却有Westwood这种高级社区的观众支持，观影感受也比旁边坐着一群嚼爆米花的少年好了很多。

电影院真是能放大一个人对电影的感受；如果我在家里电脑上浮光掠影地看完这部电影，估计只能三颗星，因为实在缺少戏剧冲突和高潮；但在黑暗的影院里，当所有人都放下手机，聚精会神盯着大屏幕时，就能听见导演的娓娓道来，看见微妙的光影流转。

当Woody Allen把大束的柔光打在前后两个Veronica的脸上时，两个人Brunette和Blonde的美真是尽收眼底。

我觉得他是把两位演员当成两个城市来拍的。

Kristen之于洛杉矶，Blake之于纽约，代表了美国东西海岸两种城市、两种女性截然不同的风格，像双城记，也像朱砂痣与白月光。

而Bobbi与Veronica的距离，也像两座城市一样，不可能有结合，也不可能有未来。

演员Jesse Eisenberg和Kristen Stewart 都是文艺片的常客了，Blake Lively看来也在朝这个方向发展。

不过这两位女主比起Emma Stone受文艺片导演的欢迎程度来说，演技上还有很大的提升空间。

这位略像刘晓庆阿姨的甜品店女服务生是我没娶到的朱砂痣。

别看她穿成这个样，其实她是我舅舅的小秘。

那个年代的美国，秘书就是这造型。

甜美得像颗糖果，跟《咖啡公社》整体的暖黄色调很搭。

这是我，一个穿高腰裤的NewYork boy，是不是很显腿长？

这也不奇怪，那个年代我们都这么穿。

我不知道自己是没脖子还是含胸驼背，不过这不重要，重要的是我去好莱坞投靠我舅舅，聪明的我真的是典型的美国人，有社交天赋，虽然上面那妹子还是跟了我舅，但好歹我学到一手，这才有了后来的咖啡公社。

所以你看，男人什么时候都别把爱情当成人生的主题，导演伍迪艾伦之所以用了反沉浸的旁白和不厌其烦的爵士配乐，就是要提醒大家：这不是部爱情片，这是部传记片。

好吧，其实贯穿全片的还是感情线，可是这跟一般的爱情片真不一样啊，类似《了不起的盖茨比》，大概是以男性视角叙事，所以说情也变得很理性。

说了朱砂痣还没说白月光，白月光是个甜姐儿，我跟她结婚生子。

朱砂痣则一直带着暮光女的影子，说实话这白羊座的姐们儿就是骨子里有股硬气，不然咋叫她演会打仗的白雪公主呢？

我忘不了朱砂痣是因为她是我初恋（好吧其实不是，反正就是初恋的感觉咯，没结果的那种）（这里可以插一下BGM王心凌《第一次爱的人》）没得到的就一直在骚动啊。

总之，这俩美女都很好，就像舅舅也觉得他前妻和现妻都很好，而朱砂痣也觉得我和我舅都很好一样。

可是话说回来，我还是最爱我哥。

我哥是黑道老大，身材壮硕，声音低沉浑厚，整个一雄性荷尔蒙化身，性感指数力压《嘻哈帝国》里的大哥。

他虽然混黑道，但他对家人很好。

对，就是反差萌。

他是一家的保护神，虽然保护的方式简单粗暴（直接搞死）。

哥替二姐解决了她蛮横不讲理的熊邻居，最重要的是，朱砂痣跟我舅结婚我丧回家后，是他给了我事业的新起点，他的夜总会成了我的用武之地，我在这里成长为一名上流人士，进入了上层社会才娶了名媛老婆。

如果我今天还是个小屌丝，朱砂痣真不一定对我旧情复燃，谁知道呢。

总之，你们就说我哥好不好吧？

只可惜现在是法治社会，他这样的梁山好汉终归是要被和谐。

我只能多放点他的照片表示缅怀。

老爷子这两年对爱情，对夫妻之间感情处理越来越柔和，从06年的赛末点，杀；08年的午夜巴塞罗那的和；到这两年午夜巴黎，咖啡公社的柔和处理。

得不到的总是在骚动是老爷子对女人的看法。

对美国中产阶级的讽刺和反映一直存在在老头子电影里，咖啡公社其实整篇描绘的都是美国中产社会的问题和状态。

醉生梦死的夜总会和好莱坞，官员们和黑社会的交集，底层人民的不如意和社会学家那清醒的话语，这都是伍迪艾伦给观影者带来的内容。

当然，生活就是如此，存在很多变数，无论你喜欢还是不喜欢，都是得过，无论多迷恋以往，都得活在当下。

伍迪艾伦无疑是一个黄金时代好莱坞的狂热爱好者，活在这个时代的他，心是在那个时代的。

抛开片子的内涵，就片子的本身来说这部片子基本称得上是满分，全篇暖色调，优良的构图让每一祯都可以用来当作壁纸，导演对于黄金时代的迷恋让观众也能从这部片子中找到40 50年代好莱坞喜剧的影子，再加上伍迪艾伦典型的俏皮旁白和优美的管鉉乐器，这部片子看起来就是这种享受。

作为一部普通的类型片没有视听语言上的创新和突破，但是他做到了一部好的类型片的要求。